Разработка композиции художником при создании почтовых марок
Великие идеи вдохновляют художников, чтобы отразить их в произведении искусства, от художника требуются высокое мастерство, безукоризненное умение использовать все возможности изобразительных средств. Ошибочно думать, что, выбрав нужную тему, художник уже обеспечил успех, что достаточно кое-как нарисовать картину или сделать рисунок на важную и нужную тему, чтобы получилось подлинное произведение искусства. Иногда думают, что художник сразу находит нужное решение. Это большая ошибка. Огромный, труд вкладывает настоящий мастер в свою работу. Сколько эскизов, сколько этюдов с натуры выполнил, например, В. И. Суриков для «Боярыни Морозовой». Как настойчиво искал он композицию картины, каждый образ, как тщательно разрабатывал детали. То же самое делает и художник, создающий почтовую марку. Сначала эскизы, первые наметки решения. Затем более подробные разработки, иногда их бывают десятки. В 1965 г. художники Лесегри (В. Лебедев, Л. Сергеев и М. Гринберг) нарисовали почтовую марку в честь 20-летия Всемирной федерации демократической молодежи. Десятки набросков и законченных эскизов сделали они, прежде чем пришли к окончательному решению.
Художник Е. Анискин рассказывает, как он нарисовал почтовую марку к 150-летию Государственного Никитского ботанического сада. Поехал в Крым, много дней ходил по саду. «Мой альбом стал похож на «гербарий» — десятки эскизов, десятки вариантов. А почтовая марка-то нужна была одна! В конце концов я представил в Дирекцию по изданию и экспедированию знаков почтовой оплаты четыре рисунка... Язык цветов и деревьев оказался, видимо, настолько убедительным, что было принято решение издать вместо одной марки все четыре...»
Интересно проследить, как разные художники поразному, каждый посвоему, разрабатывают ту или иную тематику. Посмотрите хотя бы на знаки почтовой оплаты, выпущенные разными странами мира в 1949 г. к 75-летию Всемирного почтового союза. На нашей почтовой марке — земной шар, опоясанный лентой из писем, и средства их доставки, от почтовой кареты до самолета; на норвежской — стилизованный голубь с письмом в клюве; на французской — люди разных рас, протягивающие друг другу руки; на знаке оплаты ФРГ — главный почтамт и портрет Генриха Стефана, инициатора создания Всемирного почтового союза. Интересно сравнить и знаки оплаты, выпущенные в разных странах к 100-летию этого Союза.
Каковы же средства, которыми пользуется художник при выполнении своего замысла? Это, во-первых, композиция. Слово compositio по-латыни означает: сложение, сопоставление, соединение частей, приведение в порядок. Композиционное решение при создании почтовых марок — это не просто сложение, это превращение отдельных частей в нечто единое, неразрывное. Ведь художественное произведение так же целостно, как и живой организм.
Примеры того, как отдельные части сливаются в единое целое, дает нам природа. Взгляните на дерево: листья, ветви, ствол. Но все эти отдельные части воспринимаются нами как нечто целостное: береза или дуб, липа или клен. Их не спутаешь: каждое имеет собственное, ярко выраженное лицо. В хорошо скомпонованном произведении искусства — будь то картина, рисунок или почтовая марка — ни убавить, ни прибавить ничего нельзя.
И, наоборот, если произведение композиционно слабо, рыхло, тогда можно удалить или добавить ту или иную часть. Однажды нидерландский художник Иоахим Бейкелар (жил в XVI в.) писал по заказу натюрморт, т. е. изображение неодушевленных предметов. Заказчик во время работы приносил все новые и новые фрукты и просил поместить их на картине. Он считал композицию собранием отдельных предметов, художник же видел их все как единое целое.
Посмотрите на одну из почтовых марок «Помощь голодающим Поволжья», выпущенную в 1921 г. К этому времени имелось еще очень немного наших марок, и у художников не было достаточно опыта, поэтому знак почтовой оплаты получился неудачный. Она плохо скомпонована. Можно закрыть любую ее деталь, добавить еще деталей — ничто не изменится в художественном качестве марки, потому что изображение дробно, каждый предмет зрительно изолирован. Противоположный пример: почтовая марка, посвященная 200-летию начала крестьянской войны 1773— 1775 гг. в России (художник В. Пименов). В композиционном отношении это одна из лучших марок. Все ее части — портрет Пугачева, сцена восстания, декоративные элементы, шрифт — воспринимаются как единое целое. В сцене восстания нет ничего лишнего, ни одна фигура не может быть удалена без ущерба для целого. Также ничто не может быть и добавлено.
Посредством композиции художник выявляет значимость действующих лиц, их отношение друг к другу и окружающей обстановке. Он группирует фигуры, находит им нужные позы и движения, определят существенное и второстепенное. В произведениях искусства мы различаем два композиционных начала: симметрию и асимметрию. Симметрия — соразмерность левой и правой частей предмета или изображения, разделенных невидимой осью посередине. Конечно, это не точное геометрическое равенство. Симметричны многие объекты природы: бабочка, колос ржи, большинство цветов. Симметрично в основном и тело человека. Симметрия воспринимается как спокойное равновесие. Многие живописцы эпохи Возрождения применяли симметричную композицию, например композицию по треугольнику, для того, чтобы придать изображению торжественность, монументальность. Так, в «Сикстинской мадонне» Рафаэля, воспроизведенной на почтовой марке ГДР, фигуры образуют как бы треугольник, где изображение матери с ребенком расположено на центральной оси. Второстепенные фигуры расположены симметрично по отношению к ней. Композиция служит наиболее полному воплощению идейного замысла художника.
По-иному действует на зрителя асимметрия композиции, где центральная ось делит изображение на две неравные части разной «тяжести». Асимметричная композиция более динамична, она подчеркивает действие, порыв, ей чужды спокойствие, неподвижность. Асимметричная композиция часто строится по диагонали. Диагональная композиция получила широкое распространение в живописи XVII в. Она вытеснила симметричную композицию в виде пирамиды у живописцев XV и XVI вв. Такие великие мастера, как Рубенс, умело использовали диагональное построение для убедительного осуществления своего замысла.
Изучая Рубенса, крупнейший французский художник Э. Делакруа говорил об огромном значении основных линий в композиции. В своих произведениях, драматических по сюжету и полных стремительного движения, Делакруа широко использовал диагональную композицию. Диагональное построение, особенно движение вглубь картины или из ее глубины вперед, как бы связывает зрителя с изображением, делает участником события.
